Rory Gallagherblues-rock européen. Derrière sa Fender Stratocaster usée jusqu’au bois, il y a une trajectoire faite de travail acharné, de concerts live incendiés, de fidélité à un son, et d’un rapport presque ascétique à la célébrité. Son histoire croise celle du rock irlandais, du renouveau du blues anglais et des grandes scènes des années 1970, tout en gardant un parfum de club enfumé et de pub bondé. Loin des artifices, il a construit une œuvre dense où alternent ballades acoustiques au parfum folk et charges électriques au tempo infernal.
Pour qui découvre Rory en 2026, l’enjeu n’est pas seulement de lister sa discographie, mais de dégager quelques albums essentiels qui donnent accès à son langage musical. Entre les débuts avec Taste, ses chefs-d’œuvre solos comme Live! In Europe, Irish Tour ’74, ou encore les albums de la fin comme Defender et Fresh Evidence, se dessine une cohérence : un noyau blues tendu vers le rock, avec des inflexions irlandaises, du jazz, du folk et parfois même des couleurs flamenco. Cet article suit ce fil, en abordant à la fois l’histoire, les disques clés et l’héritage qui irrigue encore la scène actuelle.
Son jeu de guitare est un cas d’école pour tout musicien curieux de comprendre comment l’énergie brute peut rester lisible, chantante et structurée. Le vibrato à la main gauche, l’usage du slide, les dynamiques de volume à la main droite, la façon de faire respirer un shuffle ou de tordre un simple accord de Mi en moment dramatique : tout cela a façonné une influence musicale qui touche aussi bien les guitaristes de rock indé que les puristes du blues. Les pianistes, batteurs, bassistes ou chanteurs peuvent d’ailleurs y puiser des leçons de groove, de placement et de narration musicale.
Les lignes qui suivent dessinent plusieurs entrées possibles dans son univers : la naissance du style avec Taste, la montée en puissance des années 1970, la voie plus sombre et tendue des années 1980, ses collaborations avec des légendes du blues, jusqu’à la manière dont sa musique continue d’être jouée, rééditée et discutée en 2026. Pas besoin d’être spécialiste pour y trouver un point d’accroche, mais ceux qui aiment déjà disséquer les phrasés à la note près auront de quoi alimenter leur curiosité pendant longtemps.
En bref
- Un pilier du blues-rock irlandais : un son de guitare immédiatement reconnaissable, nourri de blues américain et de folklore celtique.
- Deux périodes fortes : les années Taste et la grande vague des années 1970, avec une série de concerts live devenus légendaires.
- Des albums essentiels à connaître en priorité : Taste, Live! In Europe, Irish Tour ’74, Calling Card, Photo-Finish, Jinx, Defender, Fresh Evidence.
- Une scène live centrale dans sa carrière, où les morceaux prennent souvent une autre dimension que sur les versions studio.
- Un héritage durable qui touche aussi bien les guitaristes de blues que des musiciens de rock alternatif, de folk et de punk.
Sommaire
Rory Gallagher, des débuts irlandais à la naissance d’un maître du blues-rock
L’histoire de Rory Gallagher commence loin des grandes capitales musicales. Né en 1948 à Ballyshannon et élevé à Cork, il absorbe très tôt plusieurs mondes sonores : les chansons traditionnelles irlandaises, le rock’n’roll d’Elvis à la télévision, le blues de Muddy Waters ou Leadbelly sur le tourne-disques familial. Ce mélange va devenir la matrice de tout son travail. Dès l’enfance, il s’essaie à la guitare, puis à la mandoline, au saxophone et à l’harmonica. Cette polyvalence explique sa manière de penser la guitare comme un mini-orchestre, capable de tenir le rôle rythmique, harmonique et mélodique.
Adolescent, il écume les bals avec des groupes qui jouent les tubes du moment, presque comme des juke-box humains. Ce travail de scène, parfois ingrat, lui offre un avantage déterminant : une oreille affûtée, une endurance scénique rare, et l’habitude de s’adapter à des publics très différents. Lorsque son groupe The Impact Show Band dérive vers le rhythm’n’blues, le terrain est déjà prêt pour la suite. C’est là que se met en place l’envie d’un format plus brut, plus direct, où la guitare n’est plus seulement un élément parmi d’autres, mais le moteur principal.
De cette mue naît Taste, un power trio qui préfigure l’explosion du blues-rock européen. Le groupe commence à trois dans les clubs irlandais, avant de monter à Londres. C’est au Marquee Club, haut lieu de la scène rock londonienne, que Taste se fait remarquer. Leur son est dense, serré, moins policé que celui de certains groupes anglais de l’époque. La voix éraillée de Gallagher, ses solos en rafale et la manière dont il remplit tout l’espace sonore avec une seule guitare surprennent. Les programmateurs les envoient ensuite en première partie de Blind Faith, le super groupe d’Eric Clapton et Steve Winwood, ce qui élargit considérablement leur audience.
Leur premier album officiel, simplement intitulé Taste (1969), pose les bases. On y entend déjà cette façon de tisser des riffs très rythmiques, presque funky par moments, avec des chorus qui peuvent partir loin mais reviennent toujours à l’essentiel. Le disque parvient à se classer au Billboard 200 aux États-Unis, ce qui n’est pas anodin pour un groupe irlandais encore peu médiatisé. Surtout, il installe Rory comme un jeune guitariste à surveiller, dans un paysage où la barre est déjà très haute avec des noms comme Clapton, Peter Green ou Alvin Lee, dont le style est décrypté en détail sur cet article consacré à Alvin Lee.
En 1970, Taste publie On The Boards, plus audacieux harmoniquement, avec des touches de jazz et des structures moins prévisibles. L’album entre dans le Top 20 britannique, confirmant l’intérêt du public. Parallèlement, le groupe fait forte impression au festival de l’Île de Wight, aux côtés de figures comme Jimi Hendrix ou The Who. Pourtant, malgré ce contexte favorable, les tensions internes et les questions de management finissent par provoquer la séparation du trio à la fin de 1970. Le style de Gallagher, trop marqué, semble appeler un projet à son nom.
La fin de Taste ne marque pas une rupture artistique brutale, mais plutôt un recentrage. Rory garde le format trio, choisit de travailler sous son propre nom et commence à construire une discographie qui lui appartient en entier. Pour un musicien obsédé par le rapport au public, cette transition est stratégique : elle lui offre une liberté totale sur le répertoire, les arrangements et même la gestion de sa carrière. C’est cette bascule, entre feu Taste et premiers pas en solo, qui prépare les grandes années du rock irlandais bluesy des seventies.
Pour les musiciens d’aujourd’hui, la trajectoire de ces débuts pose une question utile : comment transformer des années de reprises en langage personnel solide, sans perdre l’énergie du live ? Chez Rory Gallagher, la réponse se lit autant dans les disques que dans ses tournées ininterrompues.
Discographie de Rory Gallagher : des premiers albums solo aux grands classiques live
Le passage en solo de Rory Gallagher se matérialise par son album éponyme en 1971. Il enregistre avec Gerry McAvoy à la basse et Wilgar Campbell à la batterie, dans un format trio qui laisse la guitare respirer. Ce disque atteint la 32e place des charts britanniques et pose une grammaire claire : un mélange de blues rural, de rock nerveux et de ballades plus apaisées, avec une attention particulière à la prise de son. Loin de surproduire, il garde un grain très organique, qui fait que l’on a presque l’impression d’être dans la salle de contrôle.
La même année, il enchaîne avec Deuce, souvent plébiscité par les guitaristes pour son côté brut. Les tempos montent, les saturations aussi, sans perdre le sens de la mélodie. Les deux premiers albums installent une couleur, mais c’est avec Live! In Europe (1972) que la légende se met vraiment en place. Enregistré en tournée, ce disque entre dans le Top 10 britannique et décroche un disque d’or. Surtout, il montre la différence entre les versions studio et les versions live : les morceaux s’allongent, les solos s’aèrent, le rapport au public devient une composante à part entière de l’œuvre.
Pour mieux situer quelques jalons, ce tableau récapitule plusieurs albums essentiels de sa discographie solo et live :
| Album | Année | Type | Particularité musicale |
|---|---|---|---|
| Rory Gallagher | 1971 | Studio | Premier album solo, son organique, équilibre blues/rock acoustique et électrique. |
| Live! In Europe | 1972 | Live | Disque d’or, énergie scénique, versions étirées des titres phares. |
| Irish Tour ’74 | 1974 | Live | Enregistré en Irlande en pleine tension politique, intensité émotionnelle rare. |
| Calling Card | 1976 | Studio | Production plus travaillée, touches hard rock et finesse harmonique. |
| Photo-Finish | 1978 | Studio | Retour au power trio, son sec et nerveux, morceaux taillés pour la scène. |
| Jinx | 1982 | Studio | Ambiance plus sombre, riffs incisifs, tension rythmique très marquée. |
| Defender | 1987 | Studio | Sorti sur son label Capo, blues mûr, son plus moderne sans renier les racines. |
| Fresh Evidence | 1990 | Studio | Dernier album de son vivant, atmosphères plus sombres, arrangements soignés. |
Entre 1972 et 1976, la formation s’étoffe. Lou Martin rejoint au clavier et Rod de’Ath remplace Wilgar Campbell à la batterie, transformant le trio en quatuor. Cette configuration apporte plus de couleurs harmoniques. L’album Blueprint inaugure ce tournant, suivi par Tattoo, puis Against The Grain et Calling Card. Les textes gagnent en nuance, les structures laissent la place à des modulations inattendues. Pour les musiciens de studio, ces disques sont une mine d’idées sur la manière d’enrichir un arrangement blues sans le dénaturer.
La période de la fin des années 1970 marque un changement de ton. Insatisfait du mixage d’un projet enregistré à San Francisco, Rory met de côté un album entier, qui ne paraîtra qu’en 2011 sous forme d’archives. Il refond ensuite une partie des morceaux à la sauce plus sèche et musclée de Photo-Finish (1978), enregistré avec Ted McKenna à la batterie. Le son est plus agressif, la guitare souvent placée très en avant, les titres comme « Brute Force and Ignorance » ou « Cruise On Out » devenant des classiques de concert. L’année suivante, Top Priority prolonge cette veine plus rugueuse.
Au tournant des années 1980, l’album live Stage Struck capture cette tension, presque hard rock par moments, avec des tempos relevés et un jeu très serré. Loin de certains live surproduits de l’époque, on y entend une section rythmique qui pousse en permanence, avec une guitare qui assume les risques de la prise unique. Pour ceux qui travaillent le jeu en trio, ce disque vaut un long cours de groove appliqué.
Les années 1980 voient le rythme des sorties ralentir, mais pas le niveau. Jinx (1982) frappe par sa noirceur sous-jacente, alors que l’artiste traverse des périodes personnelles plus troubles. Plus tard, la création de son label Capo lui permet de sortir Defender (1987) et Fresh Evidence (1990) avec un contrôle renforcé. Le son s’adapte à l’époque tout en conservant un cœur blues-rock très identifiable. En studio comme en live, Rory Gallagher reste alors obsédé par le rapport direct au public, souvent au prix de sa santé.
Pour ceux qui découvrent aujourd’hui cette discographie foisonnante, l’entrée la plus simple consiste à alterner un album studio et un album live, pour mesurer comment chaque thème se transforme sur scène. C’est aussi une façon concrète de comprendre pourquoi le live occupait, chez lui, la même place que les disques en studio.
Les concerts live de Rory Gallagher : cœur battant de son histoire blues-rock
Impossible de parler de Rory Gallagher sans placer les concerts live au centre du tableau. Là où d’autres artistes voient la scène comme le prolongement du studio, Rory semble, lui, considérer l’enregistrement comme un moment figé, presque une photographie, alors que le live serait le film complet. Les témoignages de l’époque, les captations vidéo et les disques comme Irish Tour ’74 ou Stage Struck montrent un guitariste qui arrive sur scène déjà en surchauffe, mais capable de gérer une dramaturgie sur deux heures.
Un exemple souvent cité par les fans est la façon dont un simple blues en Mi peut se transformer selon le lieu. Dans une petite salle, il fait durer les silences, joue avec le volume de la guitare, laisse la dynamique du groupe monter et descendre comme une marée. Dans une grande salle ou un festival, le même thème devient prétexte à des montées en intensité quasi continues, pour ne pas perdre un public plus éloigné. Les musiciens de l’ombre, ingénieurs du son et backliners, racontent d’ailleurs que les balances de Rory étaient des séances de travail à part entière, quasiment des répétitions publiques.
Le film et l’album Irish Tour ’74 sont souvent considérés comme un sommet. Enregistrés dans une Irlande en tension politique, ces concerts portent un poids symbolique évident. Mais au-delà du contexte, c’est le rapport au rythme et au silence qui surprend. Il peut lancer un shuffle effréné, puis tout arrêter pour un chorus a cappella à la guitare slide, avant de réinjecter le groupe d’un geste. Cette gestion du temps musical, très théâtrale finalement, reste une référence pour tous ceux qui construisent des setlists.
Un autre aspect marquant tient à son refus de l’attitude de star. Pas de changement de tenue, presque pas de discours, peu d’effets de lumière sophistiqués. Toute l’attention est ramenée vers le son. Les solos, parfois longs sur le papier, restent structurés : motifs répétés, montées progressives, retours sur un thème identifiable pour que le public ne se perde pas. Pour un guitariste d’aujourd’hui, l’écoute attentive de ces improvisations est une école de construction plutôt qu’un simple catalogue de plans.
Pour rendre ces observations concrètes, on peut résumer quelques traits caractéristiques de son jeu sur scène :
- Gestion du volume au potard de guitare pour passer d’un son quasi clair à une saturation dense sans changer de pédale.
- Usage systématique du vibrato main gauche, souvent large mais contrôlé, donnant une signature très vocale à chaque note tenue.
- Alternance entre médiator et jeu aux doigts au sein d’un même solo, pour varier attaques et couleurs.
- Intégration des influences irlandaises dans certains phrasés, avec des ornements proches de la musique traditionnelle.
Ces choix techniques ne sont jamais gratuits. Chaque ressort sonore sert la narration du morceau et maintient le lien avec le public. Même les imperfections, parfois, deviennent des moments de tension qui relancent l’écoute. Pour un auditeur habitué aux concerts ultra-calibrés, ce côté imprévisible peut surprendre, mais c’est précisément ce qui donne à ses live ce sentiment de risque permanent.
Ce rapport à la scène explique aussi la prolifération de documents live parus après sa disparition, qu’il s’agisse d’archives radio, d’enregistrements de concerts inédits ou de coffrets enrichis. Sous la supervision de son frère Donal, beaucoup de ces sorties ont été remastérisées et complétées de livrets détaillant le contexte. Pour qui explore l’influence musicale de Rory Gallagher, ces éditions forment presque un cours complet sur la façon de faire vivre un répertoire sur plusieurs décennies, sans jamais le figer.
En filigrane, ces concerts racontent une philosophie claire : pour lui, le blues-rock n’est pas un style qu’on applique, mais un terrain de jeu à réinventer chaque soir. Cette approche continue d’inspirer une génération de groupes qui préfèrent les clubs serrés aux grands écrans LED, et qui assument la prise de risque sur scène comme une valeur centrale.
Collaborations, influences croisées et héritage dans le rock irlandais
La trajectoire de Rory Gallagher ne se résume pas à ses albums en solo. Son nom apparaît régulièrement au détour des crédits d’autres artistes, souvent dans des contextes où sa crédibilité blues fait la différence. Dès le début des années 1970, il est invité sur des sessions importantes. On le retrouve aux côtés de Muddy Waters sur des enregistrements londoniens, où il tient la guitare, mêlant respect du maître et petite touche personnelle. Il participe aussi à des projets de Jerry Lee Lewis, en apportant une slide nerveuse sur « Johnny B. Goode » ou un jeu plus en retrait sur des titres plus lents.
Ces apparitions disent quelque chose de sa place dans le paysage musical de l’époque. Plutôt que de chercher une carrière de session man systématique, il choisit des projets où la rencontre a du sens. Sa participation au disque du tromboniste Chris Barber, figure historique du jazz et du skiffle britannique, souligne par exemple son intérêt pour les racines du blues européen. Dans un autre registre, ses interventions sur les albums de Lonnie Donegan rappellent qu’il connaît très bien cette passerelle entre folk, blues et rock.
Plus tard, il apparaît sur des disques de musiciens issus d’autres sphères, comme le groupe Box of Frogs, le chanteur Gary Brooker ou encore des formations plus proches de la scène celtique et rock, à l’image du Davy Spillane Band. Guitare lead, slide, parfois même sitar électrique : ces rôles montrent qu’il ne se limite pas au cliché du guitar hero bloqué sur un seul son. Sa curiosité pour les textures et la manière d’intégrer la guitare dans un ensemble plus large transparaît dans ces collaborations.
Dans le contexte du rock irlandais, son héritage se lit sur plusieurs plans. D’abord, en ouvrant la voie à des artistes qui assument à la fois la dimension locale et l’inscription dans un langage global blues-rock. Ensuite, en imposant l’idée que l’authenticité scénique compte plus que la mise en scène marketing. Cette posture a trouvé un écho chez des groupes plus récents attachés au live brut, mais aussi dans certaines scènes punk ou folk qui se réclament de son énergie plutôt que de son style exact.
Si l’on compare son parcours à celui d’autres grands guitaristes de blues-rock blancs de la même époque, la nuance est claire. Là où certains se sont éloignés du blues pour explorer des formes plus pop ou plus jazz-rock, Rory reste arrimé à ce noyau, tout en jouant avec ses contours. On peut rapprocher sa démarche de celle d’artistes comme Alvin Lee ou autres figures détaillées par les spécialistes de la guitare blues-rock, mais la dimension irlandaise, avec son mélange de mélancolie et de feu, donne à son jeu une couleur à part.
Dans les années 2000 et 2010, plusieurs rééditions et coffrets sont venus remettre en lumière cette influence. La compilation acoustique Wheels Within Wheels révèle une facette plus intimiste, avec des expérimentations flamenco ou folk qui surprennent ceux qui ne le connaissent que par les grosses saturations. Pour des musiciens qui travaillent la finesse du toucher, cet album fournit un autre type de référence, presque à l’opposé des concerts électriques les plus intenses.
La matérialisation concrète de son héritage se lit aussi dans la toponymie : une bibliothèque portant son nom à Ballyshannon, une autre à Cork, ou encore une rue et une salle de concert en France. Ces détails ne changent évidemment rien à la musique, mais ils témoignent de la manière dont un guitariste peut intégrer la mémoire d’un territoire. En 2026, son nom revient régulièrement dans les discussions entre musiciens, notamment quand il s’agit de trouver un exemple de carrière concentrée sur le contenu musical plutôt que sur l’image.
Pour ceux qui enseignent la guitare ou animent des ateliers, ses morceaux offrent une base pédagogique solide, car ils combinent une structure claire avec suffisamment de subtilité pour nourrir plusieurs niveaux d’analyse. Travailler un solo de Rory, c’est souvent travailler en même temps le rythme, le placement, l’expression et la capacité à raconter une histoire avec des moyens limités.
Comment explorer aujourd’hui l’œuvre de Rory Gallagher : repères pratiques pour musiciens et auditeurs
Face à la richesse de la discographie de Rory Gallagher, la question se pose presque toujours de la même manière : par où commencer, puis comment approfondir ? La première stratégie consiste à choisir un itinéraire thématique plutôt que chronologique. Par exemple, on peut se construire un parcours « live » avec Live! In Europe, Irish Tour ’74, Stage Struck, puis des archives plus récentes. Ce fil donne une vision très claire de la progression de son jeu de scène et de la manière dont son répertoire évolue au fil des tournées.
Un deuxième angle possible est celui des albums studio « pivot ». Enchaîner Rory Gallagher, Tattoo, Calling Card, Photo-Finish, Jinx et Fresh Evidence permet de suivre le son, de la chaleur analogique des années 1970 aux atmosphères plus sombres et travaillées de la fin de carrière. Pour les musiciens intéressés par la production, ce trajet est instructif : on y entend l’évolution des guitares, des batteries, des reverbs et des mix en général, tout en repérant ce qui reste constant, notamment le grain de la Stratocaster et de la voix.
Pour un auditeur curieux mais pas forcément musicien, une bonne option est de construire une playlist équilibrée, mélangeant titres électriques et acoustiques, live et studio. On peut y glisser « Laundromat », « Tattoo’d Lady », « A Million Miles Away », « Shadow Play », « Bad Penny », « Moonchild », « Out On The Western Plain », ou encore certains blues plus dépouillés tirés des sessions BBC ou de Wheels Within Wheels. Cette approche permet de saisir la variété de son langage sans se perdre dans des sessions complètes d’un seul bloc.
Les guitaristes, de leur côté, peuvent aborder son œuvre comme une méthode implicite. On peut, par exemple, choisir un titre par période et le décortiquer : analyser la structure des solos, repérer les phrases récurrentes, observer comment les motifs sont variés d’un live à l’autre. L’objectif n’est pas de reproduire à l’identique, mais de comprendre comment un vocabulaire limité peut produire des discours toujours renouvelés. Cette démarche s’applique d’ailleurs à d’autres grands noms du blues-rock, ce qui facilite les passerelles entre différentes influences.
En 2026, les ressources pour explorer cet univers ne manquent pas. Entre les plateformes de streaming, les rééditions physiques enrichies de livrets détaillés, les vidéos d’archives et les analyses publiées sur des sites spécialisés, il est possible de cartographier assez précisément le parcours de Rory Gallagher. L’enjeu, toutefois, reste de préserver une écoute active. Plutôt que de laisser tourner les morceaux en fond sonore, prendre le temps de focaliser son attention sur un titre, puis de revenir à une autre version live du même morceau, reste la meilleure façon de mesurer la profondeur de son travail.
Du côté de la pratique, certains groupes actuels montent des sets partiellement inspirés de ses arrangements, sans pour autant sombrer dans le tribute pur et dur. Ils reprennent par exemple la façon de structurer un concert en vagues d’énergie, ou l’idée de conserver des morceaux plus libres au milieu d’un répertoire plus accrocheur. Les professeurs inscrivent parfois un titre de Rory au programme d’un atelier blues-rock, justement parce qu’il oblige à travailler à la fois le son, le placement et la relation au public.
En fin de compte, explorer l’œuvre de Rory Gallagher revient à se confronter à une question simple mais exigeante : comment rester fidèle à une esthétique forte tout en la laissant respirer sur la durée ? Sa discographie et ses concerts offrent un laboratoire à ciel ouvert pour quiconque cherche des réponses musicales à cette interrogation.
Quels sont les albums essentiels de Rory Gallagher pour débuter ?
Pour une première approche, une combinaison d’albums studio et live fonctionne bien. Live! In Europe et Irish Tour ’74 donnent une idée précise de son intensité sur scène, tandis que Rory Gallagher (1971), Tattoo, Calling Card, Photo-Finish et Jinx permettent de suivre l’évolution de son écriture et de son son en studio. Fresh Evidence, plus tardif, montre une facette plus sombre et travaillée de son blues-rock.
En quoi Rory Gallagher se distingue-t-il des autres guitaristes de blues-rock ?
Son jeu se caractérise par un mélange de puissance et de clarté, avec une grande attention au rythme et à la dynamique. Il reste fidèle à une Stratocaster très usée, qu’il contrôle beaucoup au volume, et intègre des inflexions irlandaises dans ses phrasés. Contrairement à certains contemporains, il privilégie la scène et un rapport direct au public plutôt qu’une image de star ou une production très sophistiquée.
Pourquoi ses concerts live sont-ils autant cités comme références ?
Les concerts de Rory Gallagher sont considérés comme centraux car ils montrent ses morceaux dans leur forme la plus vivante. Les improvisations restent structurées, la dynamique du groupe est constamment travaillée, et le lien avec le public est palpable. Des disques comme Irish Tour ’74 ou Stage Struck témoignent d’une énergie scénique qui a marqué plusieurs générations de musiciens.
Comment son héritage se manifeste-t-il dans le rock irlandais actuel ?
Son influence se ressent chez de nombreux artistes irlandais qui revendiquent un ancrage local tout en s’inscrivant dans une tradition blues-rock ou folk-rock internationale. On retrouve son héritage dans la valorisation du live, le goût pour les arrangements épurés mais intenses, et le refus d’un vernis trop lisse. Plusieurs lieux culturels et institutions en Irlande et ailleurs portent son nom, signe de cette place singulière dans la mémoire collective.
Un musicien non guitariste peut-il tirer quelque chose de l’œuvre de Rory Gallagher ?
Oui, son travail intéresse aussi les batteurs, bassistes, pianistes ou chanteurs. La gestion des dynamiques, la construction des setlists, le rapport entre écriture et improvisation et la façon de faire évoluer un même morceau au fil des concerts sont des sujets transversaux. Ses albums et enregistrements live offrent un terrain d’analyse utile pour tous ceux qui réfléchissent à la manière de raconter une histoire musicale sur la durée.
